El-Creepo! - Aloha (2012)

¿Vieron que no pasó ni una weá? Les dije, les dije por años que los mayas no predijeron nada, que todo era mierda new age pseudo-hippie gringa... al menos no hubieron Jonestown ni Heaven's Gates (aunque habría sido recreativo para la vista y para los fanáticos del gore) u hordas de gente saqueando todo al sentir algún temblorcito. Lo bueno (¿lo bueno?) es que tenemos millones de años más para existir como especie, produciendo más música buena entre un pantano de sonidos plásticos y corporativos. Yyyyy lo bueno, también, es que recordé hoy que tengo blog (ya que el carrete no fue) y les traigo una primicia no tan nueva. Creo que salió hace un mes o un poco más, pero me costó más que la cresta encontrarla, así que tuve que recurrir a ripeo y patadas en los bajos.

 Si mal no recuerdo, dentro de los primeros 3 discos que subí al blog estaba el primer trabajo solista de Todd Smith, vocalista de DFD y Polkadot Cadaver, bajo el título de El-Creepo!. Este año Smith se volvió a poner las pilas con Jasan Stepp, tomaron las guitarras acústicas, compusieron algunas bases electrónicas y rearmaron una nueva pieza de música suave y romántica, en el sentido decimonónico de la palabra, y lanzaron a la venta (en formato digital) Aloha. A la primera pensé que sería una versión medio grotesca pero dulce de los Beach Boys, sobre todo cuando sacaron el hermoso single "Lock The World Outside", que tenía mucha vibra surf rock y las letras hablaban sobre lo ineludible de los pasados tormentosos, pero el resto distanciaba mucho de lo que imaginé; de hecho se nota la diferencia entre éste y el primer trabajo homónimo, que estuvo más cargado al lado acústico y un poco de metal. Por su parte, Aloha toma varios estilos propios de la música romántica, como la balada acústica country, el surf rock y el jazz tipo big-band, con otros ajenos como la música árabe, el ya acostumbrado metal alternativo, y la canción que le da el nombre al disco, sonorizada sólo con un ukelele para cerrar con aires hawaiianos.
Algo que extrañé un poco fueron las letras de terror, pasividad-agresiva y amores turbulentos que hicieron que El-Creepo fuera... bueno, "creepy", pero desde un principio la idea era la experimentación en formato romanticón y estos son nuevos horizontes para Smith, algo que acepto y que igual me gustó, para que voy a andar con mentiras. A Town Called Tribulation es hermosísima, me recordó un poco a Song of Joy de Nick Cave, que estuve escuchando harto estos últimos meses, en cuanto al amor perdido y la familia muerta. Por culpa del ripeo y de la página de donde saqué la canción, el tema empieza un poco muy rápido, lo que encuentro que igual le quita algo de atmósfera; lo mismo para Lock The World Outside, cuyo slide empieza MUY rápido. Los riesgos de la piratería, viejos. A todo esto, estuve a punto de tener este disco en mis manos, de no ser porque a) no lo sacaron en físico la momento del lanzamiento y b) no lo vendían para Chile, lo más cercano era Argentina. No crean que soy un pobre weón que solo piratea y ya; como dije una vez, muchos de estos discos son difíciles de encontrar y sale mejor tenerlo en mp3 que no tenerlo.
Siguiendo con lo nuestro, eeeeeeeeem, ¡ah, eso! Hay ciertos temas que suenan más a Polkadot Cadaver, como Slip The Noose, claro que con menos guitarras sobrealimentadas, yyyyyyy... creo que es la única, porque las otras más pesadas, como Counting Sheep y Arabian Rose se alejan al electrometal de PD. A muchos Arabian Rose les recuerda a las canciones con influencias orientales de Mr. Bungle, pero como siempre he dicho, no hay ningún parecido entre los trabajos de Patton y Smith. Las voces suenan un poco parecidas y Smith reconoce que Mr. Bungle influenció algo a DFD, pero Arabian Rose NO es un Desert Search for Techno Allah ni Ars Moriendi. Palabra.
Por otra parte, Under The Moonlight muestra una faceta nueva en los últimos trabajos de Smith, que llevaba su buen tiempo sin trabajar con el jazz (desde el Adultery el 2006, me atrevería a decir) y lo hace mucho muy bien, aún cuando no haya morbo en las letras y suene tan blanco como Frank Sinatra o cualquier otro crooner. Perfecta para bailarlo con alguna señorrita en alguna plaza de ciudad después de una cena en algún lugar caro y lleno de celebridades muertas.
En resumen, El-Creepo! trajo otro álbum para los enamorados poco convencionales y seguidores ocasionales o perpetuos de la polivoz de la costa este, Todd Smith.
Ahora ya saben que hacer, claro que piolita, que me están bloqueando muchos archivos.

Estradasphere- Quadropus (2003)

 Que viaje. Pedazo de viaje weón. Estuve en coma por dos meses pero volví y nadie me extrañó. Nah, en realidad me cambié de ciudad y recien ahora tengo internet, pero no tengo tiempo. Trabajo y wea. Pero pasemos a lo importante, retomando el mismo texto que dejé pendiente aquel último día de internet en Coquimbo:

 Ya hemos visto, desperdigados entre varios posts y años, los primeros trabajos de Estradasphere y cada uno dista sonoramente del otro (¿Que? ¿Recien he subido dos??? Mierda, si que estoy flojo). Pasaron It's Understood y Buck Fever, pero entremedio tambien hubo un VHSaurio que salió en DVD el 2005 y un EP que pronto subiré; de hecho ahora debía, pero es que eso de los energúmenos...
 ¿Recuerdan el coctel auditivo estilístico que ofrecía cada disco? I'ts Understood nos mostró una variedad de sonidos que pasaban de occidente a oriente dando diez vueltas al globo, cosa que después Buck Fever repitió en términos de modelo, ya que de repetido nada, suena totalmente fresco y delicioso, con mucho que elegir y degustar. Pero terminenos con esa analogía de sommelier y pasemos a la siguiente habitación, el año 2003. Los cabros de Estradasphere tenían (y tienen, no hay duda de eso) mucho que seguir mostrando y más talento que soltar a este mundo tan charcha, pero sintieron que eso de la fusión über-extrema que hacian ya era un camino muy recorrido, pero tampoco querían dejar de lado tocar todo lo que les servía como influencia; fue entonces como Quadropus fue concebido y la manera Estradasphere de hacer las cosas comenzaría a cambiar. Lo digo sobre todo por los discos que vendrían, no tanto por éste
 En Quadropus la música viene más "ordenada", por decirlo de una manera, ya que muchos temas empiezan con el estilo que partieron, pero no por eso dejan de lado una cuota de mezcolanza vacilona. El disco arranca con el toque gitano-balcánico (casi lo mismo para mis orejas, no se porque) de Mekapsis Yitonisa, que recuerda a ratos a Goran Bregovic o al compositor de Europa sudoriental que les venga más rápido a la mente, claro que con los rasgos demenciales de Estradasphere. El tema en si sirve harto como un nexo entre la locura de los discos anteriores y la virtuosidad directa y enfocada que empezará a mostrar desdeeeee... Dubway, una canción tan movida que uno olvida (o ignora) que lo que escuchamos no son instrumentos. Yep, en toda la canción no suena ningún instrumento, solo beatboxing y voces moduladas que componen un sonido perfecto para manejar por una de esas carreteras postapocalípticas de los comerciales de autos. Speck es una balada hermosísima, con un video dirigido por Chip Yamada, el mismo que dirigió el de The Silent Elk Of Yesterday del Buck Fever pero con una historia más deprimente (al menos en términos mamones, ya que la lucha dispareja del hombre con la naturaleza igual es depre). Después viene el instrumental que me tuvo agarrado del telencéfalo por semanas, gracias a su mezcla de música árabe y funk: King Crab Battle. Si, tal como dije, árabe y funk, con riffs metaleros y una vibra épica, como de película histórica sesentera con Liz Taylor o Charlton Heston., igual que A Car Ride In Idealistic Ethiopia (Part 1) (no, no hay parte 2), claro que con un toque más contemporáneo y menos fuerza. De hecho a ratos me salto A Car Ride porque me da paja. Por el lado más experimental está Hardball, que en parte retoma un poco la mezcolanza que hace a Estradasphere... Estradasphere, junto a una duración por encima del promedio de las otras canciones (13 minutos en un disco con canciones de un máximo de 8). Desde Crystal Blue en adelante no adelanto ningún tema, porque encuentro todos la raja, sobre todo el que ya nombre, que es un surf rock que solo los Beach Boys podían hacer tan pulento; después la cosa se pone pesada con el death Jungle Warfare, con gutural, disonancias y todo, que pega un salto a algo más metal alternativo como Bodyslam, casi un tributo metal a la lucha libre televisada y que me extraña que nadie lo haya usado. Para terminar, las cosas se enfrían y ponen nostalgicas con At Least We'd Have Today, otro tema medio Beach Boys pero más cercano a la época del Pet Sounds, esa era en que murió el surf y nacieron los dramas sentimentales (y de equipo), las atmósferas sonoras super barrocas y armonías vocales idem. A los tantos minutos el tema termina, y si se dan cuenta quedan varios minutos sobrando... de hecho no es así, dejen que pase el tiempo y la canción vuelve solo con un órgano y la voz de Tim Smolens, para irse  y volver otra vez diciendo que olvidó la letra y tiene que ir a comprar pilas a Circuit City. Sin humor no hay fusión, perrines.

Cuento corto, bájenlo.

Pero antessss....

Dorso- Recolecciones Macabras del Campo Chileno (2012)

 Esta vez intentaré hacerla corta porque mañana viajo y aún me queda música por guardar.
El año pasado Dorso publicó que ya estaban avanzando con un trabajo que integraría el folklore de nuestro Chilito con el buen metal que vienen cultivando por más de 20 años, que aún no tenía nombre pero que seguiría contando con la presencia del baterista Fran Muñoz yyyy no recuerdo que más dijeron, pero cada info que soltaban era un orgasmo de datos para mi. Poco a poco mostraban el making-off del proyecto que ya era conocido (desde antes de abril del año pasado, según mi historial de facebook) como Recolecciones Macabras del Campo Chileno, pero necesitaba mucho más. Entonces un día del presente año, llegando del trabajo, prendo mi pc, busco en internet que pasa con el disco y veo que lo habían lanzado ese mismo día. Como siempre, un alma caritativa lo había comprado por preventa y lo subío, asi que ni corto ni perezoso lo bajé, metí a mi mp3 y lo gocé todos los días que me quedaban de trabajo, poniéndolo a todo chancho en mi celular (suena flaite, pero NO) frente a los viejos de mierda que se hospedaban en mi sector para mostrarles que la música en Chile aún tiene futuro.
Cuando leí por primera vez lo que haría Dorso en este disco pensé que sería solo en cuanto a letras, basadas en nuestra rica (y un poco prestada) mitología sureña, pero fue por el video del making off en que escuché La Vacalaca, la canción que abre el disco y que trata sobre una vaca esqueleto que revive y deja la cagá en los asados, y noté que el espíritu chileno estaba ahí, con cueca y campo duro, el real, ese en el que me cagaba de miedo cuando llegaba la noche, soplaba el viento entre las higueras y salían historias de la llorona, del diablo convertido en guagua, del perro negro gigante que siguió a una señora hasta su casa o del horror de cagar en el pozo. Oh si, ahí se esconde la verdadera esencia del horror. Lo bacán es que las otras canciones tambien suenan como si te estuvieran contando un cuento en una fogata en pleno campo, sobre todo porque tiene interludios con voces de los cabros tomando vino o pasando miedo; además cada historia o mito es bien conocido por cada habitante de este terruño, como el cabeza de chancho o Carchancho en esta versión (¿recuerdan aquella serie de fines de milenio llamada La otra cara del espejo? ¿Recuerdan el capítulo del cabeza de chancho? ¡Como olvidarlo!), un ser conocido para los habitantes de Valparaíso; el Cuero, un monstruo parecido a una piel de vaca, con uñas en el borde del cuerpo y que succiona los fluidos de sus víctimas; el culebrón, famoso en todo el mundo y otrora visitante frecuente de Montegrande, según me contaba mi mamá. Otros son seres nuevos de la mitología dorsalica, como El vampiro del cogollo, que es un yeti chupasangre devorador de acampantes y el huaso zombie Don Westancio. El resto pertenece al folklore más reciente, como los encuentros ovnis, que ya son practicamente parte de nuestra idiosincracia, con toda una mitología creada para explicar los avistamientos a lo largo de Chile (ya saben, todo eso de que hay bases ocultas en la cordillera, que el valle de Elqui y el Cajón del Maipo son portales dimensionales o puntos de encuentro, blablá), si hasta creo que la canción Visión Chilenoide puede estar un poco inspirada en el caso de un hombre que se encontró un cuerpo momificado en una salitrera. Lo cuático era que el cadaver tenía el porte de un ratón y rasgos humanoides, pero ligeramente deformados. Recuerdo como webearon semanas con eso en las noticias hasta que de pronto dijeron que un español compró el cuerpo y nadie más dijo nada al respecto.Una forma fácil de crear más misterio y deshacerse del cuerpo antes que todos empiecen a sospechar.
Como siempre, hay que tirar otro párrafo para darle paso a lo musical. Recolecciones no solo es un compilado de relatos del lado tétrico del país, sino que también recopila los sonidos del charango, la trutruca, el kultrún y el ritmo de nuestra música, los muele como el pebre y añade las especias del black y el doom metal. Doom po weón, ¡cuando habían hecho doom! Garrafa cuesta arriba, la canción favorita de la casa, es una muestra perfecta del sabor de esa combinación, con su riff doom, los resoplidos lejanos de una trutruca y un solo de guitarra que nace a mitad de esa pieza épica, llena de los punteos de la cueca que sonaba en las radios de antaño. En lo personal esa canción es la mejor y más bien lograda pieza del disco, y espero que si vienen a la IV región la toquen con todo el powah que tiene. Quizá algunas canciones no tienen el mismo toque de folklore de esta, pero no dejan de ser buenas, como la grindcore El Vampiro del Cogollo, La Resurrección de Don Westancio, Recolecciones Macabras, El Triunfo del Metal Chileno (un canto a los músicos chilenos que sirvieron como padres del movimiento metalero, y sobre todo thrasher, de los ochentas) o Pico de Gallina, que sirve como relato de cierre y trata sobre la búsqueda del necronomicón por un mundo subterráneo en Talcahuano, con coros cantados por una dulce voz femenina. Mmmm, ahora que me doy cuenta (mentira, lo noté la primera vez) todas las canciones están basadas en mitología de centro y sur, siendo que en el norte igual tenemos mitos pulentos, como el Alicanto, el gigante de Andacollo, eeeeeeeh el alicanto... el alicanto... quizás para la otra. Mi otra favorita es Descensos en Chile, mucho más larga que Garrafa Cuesta Arriba con más de 18 minutos, pero sin ningún minuto desperdiciado pues muestra excelentes segmentos instrumentales, casi cercanos a un Genesis criollo y metalero. La letra medio romántica me recuerda un poco al Romance (duuh), pero los momentos doom son los que nos recuerdan que estamos en otra fase dorsalica, cada vez más pesada pero a la vez más osada en cuanto a extender los temas, algo que no muchos músicos en Chile hacen. Por lo menos no músicos ajenos al jazz. Ojala que en ese aspecto Dorso sirva como ejemplo para que muchas bandas le dediquen más tiempo a la calidad de sus trabajos. Hablando de calidad, hace unos meses me compré el disco doble y el diseño del digipack está la raja, sobre todo por los dibujos que acompañan las letras de las canciones y la forma de barrica de vino que tienen los discos.
¿Notaron que en el post anterior hice una pequeña, ínfima, enana, crítica al sonido de la batería de Fran? Pues aquí si que se luce el chascón, convirtiendo los tarros en máquinas moledoras, metralletas que mantienen a raya a los monstruos que invocan las letras. Fran dice que tiene para rato en Dorso, así que esperemos que sea así y que esté en trabajos futuros, porque con el Recolecciones si que nos mostró su poder. Hay otra cosa más: ¿es idea mía o la voz del Pera suena cada vez más gutural? Quizá es la voz de Fran, pero sea quien sea.... dah, eso.


Como dije, mañana viajo a mi querido valle, así que me llevo el Recolecciones conmigo, lo subo para que le den una "orejeada" y espero que sea la música de cada carrete que tengan este 18. Y si tienen un vecino flaite que les hinche las weas con reggaeton estas fiestas patrias, pesquen el disco, pónganlo a todo chancho y hagan mierda esa cagá de pseudomúsica.
Eh... ¿que más? Ah, si, este es el primer disco doble de Dorso, lo que significa que hay un DISCO 1 y un DISCO 2.... porque así funcionan los números... creo...

Dorso- Espacium (2008)

 Pasaron diez años y nadie sabía que fue de Dorso. O pocos saben. Seguían tocando, pero sobre sus proyectos nadie cachaba nada. El Pera seguía con Salfate en Planeta Freak, mostrándonos películas bizarras, gore, humor a chuchada limpia y borrachera con la cerveza auspiciadora; la banda seguía tocando a lo largo de Chile, ocasión que aproveché pa vacilar en la playa cuando fueron a La Serena; habían sacado una canción para la película Sangre Eterna (tema decente, pero la película... [facepalm]) pero con mi amigo que mencioné en el post anterior seguíamos esperando algo nuevo, ya que desde Disco Blood solo habíamos visto un disco en vivo (Lari La Live) y por el 2006, si mal no recuerdo, sacaron el Unplugged Cosmico bajo su propio sello Dorsalia. Lo tengo original por ahí, junto con los pocos que encontré en el mercado, firmado y todo, después lo subo. El asunto es que unos años después, mientras tomaba once frente al pc, me da por entrar a la página oficial y veo que habían sacado el disco nuevo unos dias atrás. Hasta entonces, viendo su página (en esos tiempos no tenía forma de recibir noticias vía FB como ahora, porque no quería hacerme cuenta) sabía que el nuevo disco se llamaría Espantos en el espacio, y la única señal era un zombie piñufla en la portada, pero nadie se pronunciaba sobre cuando saldría ni como sonaría... o quizá nunca dediqué mucho tiempo buscando; aunque eran otros tiempos, estudiaba y todo era otra volá, mas relajada. Poco tiempo después, el nombre pasó a ser Espacium y en la portada de la página aparecian las caras de Pera, Gamal y Alvaro, pero sin el baterista Marcelo Naves, lo que cambió cuando Fran Muñoz (conocido para algunos por tocar en Darkemist... yo francamente no lo conocía, tampoco a la banda) entró a ocupar ese vacío que dejó la partida de Naves por diferencias con el grupo.
 Hasta unos meses antes que saliera Espacium yo tenía la canción Il Maniaco que había lanzado como single o no se que onda en la Escudo Power Party, y la batería sonaba muy potente, aún muy cercano al sonido del Disco Blood. Claro que yo entonces no tenía ni idea que pasaría a ser parte del Espacium hasta que lo sacaron y escuché la versión con Fran, que debo decir no me gustó tanto como la primera. No recuerdo bien si cambiaron los arreglos o simplemente Fran no era tan rápido como Naves (perdí la canción por un formateo de pc, por eso no puedo compararlos), pero había algo en la regrabación que no me sonaba tan revienta tímpanos como la primera versión. "Ya, no importa", pensé, "hay que tasar el resto del disco para tener una idea completa". Bien, lo escuché y la primera canción me voló la raja. El paso rápido de la batería (posiblemente en parte electrónica) de Horas sobre Tentaculón y las letras porno-gore-cósmico tenían todo el toque de familiaridad y continuidad de los discos anteriores, pero el solo casi acústico del final de la canción también es la ventana que muestra el cambio en la personalidad musical del grupo, sonando progresivo como una mezcla entre el Luna Cámbrica y el Romance, pero con atmósferas sintetizadas, algo nuevo para lo que estabamos acostumbrados a oirles. De ahí en adelante la música pasaba a ser un híbrido entre death metal, recitación y electrónica (léase ELÉCTRONICA, muy diferente al tecno, como dije unos posts atrás); de hecho la banda presenta el disco como una combinación de kraut rock, género alemán de rock psicodélico ultra cargado a la experimentación electrónica, con metal progresivo. Claro, algunos fanáticos y oyentes ocasionales pensaron que esto estaba más cercano al metal tipo Rammstein (del género Neue Deutsche Härte), de corte más accesible y destinado a ser bailable (como lo indica el nombre alemán "tanzmetal") y sintieron que la banda se había vendido o había olvidado sus raíces. Difícil que se vendiera, porque dudo que saquen millones al mes con la venta de discos o aparezcan en Billboard o esas weas. Por otra parte, muchos discrepamos con eso de que suena como Rammstein, porque como dije ellos combinan tecno con metal, mientras que la idea original de Dorso era la de electrónica (o kraut según ellos) con metal progresivo, que sería un poco redudante pues el kraut igual entra dentro de los muchos campos del rock progresivo, pero el tema es que (repito) la electrónica consiste en la experimentación o utilización de instrumentos electrónicos en la música, donde destacan el sintetizador y, en viejos tiempos, el moog; en cambio el tecno tiene la finalidad de ser bailable, de tener beats pegajosos o que creen ambientación para un carrete. Es muy difícil describir la diferencia, sobre todo porque no sé mucho de música (por eso investiguen si tienen dudas en lo que digo), pero creo que se debe más a un tema lingüístico, pues en inglés tienen la palabra electronic music, electronica y techno para separar los géneros, mientras que aquí es electrónica y tecno, que además todos confunden. En resumen, Espacium si es una combinación de metal con electrónica y no suena para nada como Rammstein.

La música no fue la única que cambió, pues el sonido atmósferico respondía a que la temática del disco era puro terror espacial (por algo se llama Espacium po wea), inspirado en las películas de los 50 y 60 con naves rancias volando en fondos pintados, peleas con seres de energía y viajes lisérgicos por el cosmos. Como siempre hay entremedio una referencia a Lovecraft (Hielum, con Más Allá de las Montañas de la Locura, y Bosques [ÏA ÏA SHUB-NIGGURATH!]), pero muchas suenan más al pulp barato de los comics de ciencia ficción del siglo pasado (para más información busquen Astounding Stories). Otras canciones como que no tienen cabida en la temática del disco, pero es porque fueron hechas antes de sacar el disco, como Sangre Eterna, El Huésped (de la película homónima que no he visto, pero tampoco quiero ver) y Vortex, que algunos la recordamos como la canción que salía en ese comercial de Yo Tomo Leche, con Dorso. Dos tienen la vibra electrónica del disco, pero Sangre Eterna suena más a metal gótico porque... bueno, es de una película de vampiros.
El único detalle que no puedo dejar pasar es que las letras de las canciones que vienen después de Horas sobre Tentaculón, si bien mantienen el factor "narración de terror", perdieron el toque humorístico que se hizo característico de ellos desde El Espanto Surge de la Tumba, y creo que eso es lo que decepcionó un poco a algunos fans. De hecho, tengo un amigo que odia el Espacium por lo mismo (y porque no es tan fuerte como el Disco Blood ni tan rápido como El Espanto), aunque igual pasa Horas sobre Tentaculón, si hasta la pedimos a gritos cuando volvieron a Serena. Por un tiempo igual me sentí un poco "engañado" por esa falta de humor, pero cuando uno deja eso de lado y nota que la calidad no ha bajado (excepto la de la carátula porque, puta weón, mírenla) y que siguen siendo tan camaleónicos como siempre. Además esa es la razón por la que me gusta tanto Dorso.

Ahora tásenlo y si les gusta, cómprenlo. Ayuden a crecer a la BUENA música chilena.

Dorso- Disco Blood (1998)

 Biennnn, pasaron 2 semanas desde que perdí a mi querida perra y las heridas ya han sanado más, así que retomemos algo que quedó pendiente hace rato. Como todo septiembre (no setiembre como dice el saco de weas de Kike Morandé, porque deriva del latín septimus) hay que ponerse shilenísimo, bailarse un pie de cueca, chocar un auto o más, tomarse un cacho de chicha o apuñalar a alguien, onda para celebrar la chileneidad antes que llegue el otro mes y volvamos a ser humanos sin identidad; es en este ambiente que voy a seguir el "coitus interruptus" que dejo cada vez que posteo algo de Dorso. A verrrr... en que quedamos la última vez...
 En 1995, Dorso ya daba su segundo paso en el metal fusión progresivo con Big Monsters Aventura, logrando incluso que se difundieran por MTV temas como Transformed in Crocodile y Big Monsters Aventura. Tres años han pasado en la tierra y nuestros héroes dejan de tirarse las pelotas y no solo estrenan disco nuevo, sino que tambien dan otro giro estilístico y sacan algo totalmente diferente a El Espanto y Big Monsters, mucho más pesado y morboso. Seeeh, Disco Blood. Aaah, que recuerdos... este fue el primer disco de Dorso que escuché con un amigo, allá en esos tiempos en que seguía en el liceo, mi pelo estaba a la mitad de mi largo máximo, los estudiantes tomaban liceos y algunos profes nos apoyaban, no habían hipsters y la vida era igual de fea que siempre. Que manera de cagarnos de la risa con las canciones, poniendolas a todo chancho tarde y noche, acompañandola más tarde con un karaoke de Twisted Sisters XD. En fin... ya van cuanto ¿más de 7 años? y aún no cacho bien como clasificar el cambio de estilo. A ratos es crossover (mezcla de thrash con punk o hardcore, no recuerdo), a veces death y en "Los voy a agarrar a palos" suena grindcore como el de El Espanto. Otras veces hay groove, que es de la volá Pantera o la segunda época de Sepultura (en verdad no se bien de que época, solo digo) y, puta, no se que más. Siempre me es fácil etiquetar bandas o discos, pero en este caso es diferente porque, por ejemplo, en el caso de Estradasphere siempre puedo usar la etiqueta "fusión", porque mezclan estilos y nunca suenan iguales. En cambio el Disco Blood no puedo etiquetarlo como "metal progresivo" como los anteriores porque no hay tanta combinación sonora como en El Espanto, ni experimentación o jugueteo instrumental como en el Romance. Claro, los cabros (que desde el disco anterior forman un power trio) no defraudan a la hora de mostrar calidad musical, pero lo hacen dentro de la línea estilística pesada del Disco Blood; lo que quiero decir es que no hay tanta trasgresión como en El Espanto, por ejemplo, donde sonaba ese punteo rockabilly en la pieza grindcore extreme Extraterrestre Gore Caníbal Invasión. Aún asi reitero, la calidad musical no ha bajado nada, de hecho cada vez se hacen más potentes y capos. Son como una avalancha que avanza haciendo cada vez más ruido y estremeciendo la tierra. Como sea, para hacer facil la tarea y la búsqueda/clasificación, pongámosle thrash.
 Tal como pasa en cada disco, las historias de cada canción varían de género, ¿recuerdan? Luna Cámbrica = Terror Lovecraftiano; Romance = Terror romanticista, tirao pa decimonónico; El Espanto = Gore splatter, zombie y cine B; y Big Monsters Aventura = Kaiju y más voladas japoneses. Esta vez, las escenas son más variadas, pasando por orgías pornográficas de monstruos y/o humanos (Satanica Dirty Slut, Disco Blood [el del famoso "goza la vida mi sociooo"... si alguien conoce la fuente postéela porfa], Lesbianica y Nasty Ritual), monstruos haciendo weas de monstruos (Chupacabras, ese perro-extraterrestre-vampiro que Meganoticias lleva tiempo sin mostrarnos; Abducción, con la triste historia de un pobre weón al que lo secuestran los extraterrestres y es sometido a los clásicos experimentos tipo Betty y Barney Hill, para luego ser violado por la que el Pera describió como "una alienígena de cabeza descomunal, pero de enormes senos"), humanos psicopáticos (Consumed by Pollito Spider, una historia de venganza con arañas pollito [tarántulas para los amigos de afuera]; Plutonium Project Q, donde un científico experimenta enterrando plutonio bajo una ciudad para ver las deformaciones y aberraciones por venir; y Los voy a joder a palos, una vuelta al grindcore en que un grupo de curagüillas espanta a unos niños que juegan a la pelota, y con intro... a ver, me extenderé más de lo que se debe en un paréntesis. El intro se parece a una historia falsa sobre una supuesta guagua que nació con cuernos y hablando, pero eso pasó el 2002 y el disco es del 98... bueno, asi son las leyendas urbanas), y el clásico terror lovecraftiano de Dunwich Animal Child, con obvias referencias al culto de Yog-Sothoth y la experimentacion con cadáveres, con un final de terror que me mató de la risa (y que incluso una vez adapté para un trabajo tipo teatral... larga historia), y Alquimia y Búsqueda, sobre el culto a Dagon.  Quiza le maté un poco la magia al contar de que tratan las canciones, pero no es lo mismo una vez que las escuchan, así que A DARLE ÁTOMOS.
  Por mientras, una joyita del disco versión video, el que (en mi opinión) cierra la "trilogía del humor negro" que, según postulé, nació con El Espanto Surge de la Tumba.

  Jajajajajaja, 2006 po weón, muy mal tirada esa fecha apocalíptica.

¡O Perra, mi perra!

‎"Aquí reposan los restos de una criatura que fue bella sin vanidad,
fuerte sin insolencia, valiente sin ferocidad
y tuvo todas las virtudes del hombre
y ninguno de sus defectos. Este elogio sería insignificante sobre cenizas humanas"

Lord Byron.

Hoy, después de una casi semana de dolor, tomamos la dura decisión de sacrificar a la Negra, la mascota de la casa y miembro más de la familia. Un tumor mamario que tuvo por meses le comenzó a crecer con una rapidez que nadie habría imaginado, hasta que le impidió caminar, hacer sus necesidades y le quitó el apetito y la sed. Cuando ya notó que no podía mantenerse en sus patas traseras, tiritó durante horas y lloró conmigo.
 Al igual que en el caso de Ayudante de Santa, el perro de los Simpsons, mi perra tenía un nombre no oficial que sólo un miembro de la familia usaba: huesos en su caso, Perra en el propio. Ella era la sucesora espiritual de Perro, mi segundo perro y mi muy mejor amigo, allá por los tiempos en que iba en la básica. No me importaba que se estuviera quedando pelado, que fuera epiléptico y quiltro, para mi era el mejor perro de todos. Un día volví de mis vacaciones y me dijeron que se había perdido y nunca más llegó. Dos o un año después llegó la perra a nuestras vidas, chiquitita y llorona, recién destetada. Cresta... lo recuerdo todo. Once años que aún recuerdo... Recuerdo sus patitas blancas y su hociquito corto; ese día en que le cayó una banca en la pata por metiche; esa vez en que, ya grande, entró corriendo a la pieza y se me tiró a la cara mientras yo recién despertaba... hoy esos y más recuerdos se atropellaron en mi mente mientras veía sus ojos llorosos entrecerrarse y su pecho tensarse tras la última exhalación. Siempre creí que viviría los 15 años que dicen viven los perros, que llegaría a vieja en paz, descansando luego de pasar 11 años con la energía de un cachorro, recostada frente a mi y recibiendo mis caricias. Pensaba que su tumor anterior sería la última vez en que visitaría la sala de cirugías, que el tumor nuevo nunca haría metástasis, que sería mi compañera y receptora de cariño hasta que una mujer nos separe, como lo haría de mis amigos. Ahora descansa en mi patio, pero sin recibir más caricia que la del Gusano conquistador (nuestro soberano en la muerte, según Poe) y el abrazo de la tierra húmeda y la cal.
Hasta ahora solo he recordado lo bueno entre nosotros, y es justo recordar (en honor a su memoria) que no todo fue risas, alegría y escenas de película gringa. Muchas veces aullaba a las 5 de la mañana pidiendo salir a la calle, otras no paraba de llorar en toda la noche y se le acababa la cuerda recién cuando faltaba unas horas levantarme e a ir a clases; además, su miedo a los ruidos fuertes y de baja frecuencia la sacaban de sus cabales y rasguñaba la puerta o rompía las ventanas para esconderse en la casa. Claro, podía dejarla entrar, a cambio de que llene todo con su pelo (que siempre cambiaba) y muchas veces yo no tenía antialérgicos para parar el infierno que se armaba en mi nariz con su caspa. Como verán soy alérgico a los animales, pero no obstante me gustan y no puedo dejarlos de lado sólo por una irritación de mucosas. Habría estudiado veterinaria de no ser por mis notas... y porque no di la PSU ese año. En fin, la Perra no era un ejemplo de mamífero, pero su mala conducta (aunque casi inherente a todo los perros) me sirvió para mostrar, una vez más, una verdad que las películas suelen recordarnos: En ocasiones, cuando sus ladridos no paraban ni aunque le gritara, use violencia física contra ella. La pateaba, puñeteaba o agarraba a escobazos cada vez que sabía que los vecinos nos empapelaban a puteadas en sus casas por culpa de sus chillidos ultramolestos (ahora como extraño al menos un ladrido....). No hay duda de que la moraleja es una pregunta: ¿Quién es el verdadero animal en esos casos? Claro, ella hinchaba las pelotas como nadie, pero eran sus instintos contra mi violencia conciente. Por lo menos con el tiempo eso fue quedando atrás. Como ya se notaba su edad, quise que sus años dorados fueran de tranquilidad y relajo, tal como los imaginé alguna vez. Fue entonces cuando el tumor atacó con toda su fuerza y le drenó su apego a la vida. No podía verla postrada al suelo y mirándome a ratos a los ojos sin derramar una lágrima. Ahí recordé todo el mal que alguna vez le hice y ahora la perdería, sin tener la clara certeza de si me perdonó o no. Al menos un humano me daría la respuesta, pero ella nunca lo diría. Su mirada solo reflejaba el dolor que vivía y un grito ahogado de auxilio. Ese es mi karma por las cosas que hice.
 En lo demás llevó una buena vida, al menos en sus 11 años tuvo más logros que yo. Se perdió en año nuevo y (supongo) vivió alguna aventura de vuelta a casa; viajó de Coquimbo a Vallenar y viceversa; mató gatos y algunas veces se arrepintió por eso; se hizo conocida en todo el pasaje y hasta gente de afuera la conocía y le guardaba cierto cariño; desafió nuestra voluntad y dejó de ser virgen hace unos años, pero nunca pudo ser madre tras comerse a los pocos perritos que nacieron vivos. Creo que solo era uno. El resto quedó dentro suyo y pasó por primera vez a cirugía. Antes, cuando no era más que una perrita flaca, se enfermó del estómago y visitó a su primer veterinario.
 Con el Perro nunca pasó eso. A pesar de su epilepsia nunca lo llevamos a un veterinario, pero aún así se sobrepuso y se mantuvo con nosotros hasta ese oscuro día en que siguió a mi mamá al negocio y nunca más volvió. En cambio la perra era más delicada, y en su tierna infancia animal le prometimos darle la vida que nuestro perro nunca tuvo. Al menos se que no le fallamos.
 A cada línea que escribo más y más pensamientos pasan por mi afiebrada cabeza. Se que no sufrió, pero ¿habrá sentido que le ayudamos? ¿Tenía planes a futuro que nunca sabríamos? ¿Se habrá imaginado que su futuro sería el mismo que yo imaginé? Se que los perros no piensan como los humanos, que solo me hago una imagen antropomórfica de su psiquis, pero cuando a uno le pasa lo que hoy pasó la lógica pierde mucho sentido. Solo quedan las preguntas sobre cosas que nunca sabré, que moriré preguntándome. Lo único que espero es que sea lo que haya más allá de la muerte, sea un cielo, infierno o nada, me encuentre con ella otra vez.
 Es un horror saber que, cuando vuelva a tener trabajo (si algún considerado me contrata), nadie me recibirá ni tendré nadie con quien juguetear o un pelaje que acariciar para relajarme. Como dije, hasta extraño algún ladrido en el patio. Pero fue la última. No más animales. He perdido familiares y aún así la muerte de una mascota, de ese amigo que no habla pero que siempre te recibirá con alegría, sigue siendo un espectáculo lacrimoso. Habrá que compartir con los perros callejeros esos 10 kilos de comida que no alcanzó a terminar. No puedo verlos aquí; no quiero verlos aquí. Con solo ver su comida veo su cola bamboléandose... veo su plato sin tocar y a ella recostada al lado, tiritando por el frío que traía la sombra de la muerte...
¿Que nos lleva a tener perros, si ya no somos una sociedad cazadora? ¿Llenamos acaso el vacío de haber vivido 4000 años con un compañero de cacería al que nunca supimos darle las gracias? Nunca lo sabré, pero solo se que ya no quiero otro perro. Para un niño (y diría que hasta para un hombre) un perro es un amigo y su recuerdo nunca será reemplazado al comprar o al recibir otro. Prefiero que quede como el compañero animal más longevo que haya tenido, y con quien comparto los mejores y más frescos recuerdos. Con ella aprendí, indirectamente, lo rápido que pasa la vida y lo corta que es, la delgada línea que separa al hombre del animal y como el perro nunca perderá su lealtad sin importar lo pencaa que sea su amo. Como extrañaré tener a quien sacar a pasear a la quebrada o a la playa, y como lamentaré no haberlo vuelto a hacer mientras había tiempo. Al menos la muerte también deja su lección.
 Al cerrar estas líneas no puedo dejar de agradecer a aquellos amigos que, sin saber, supieron de todo esto mientras aún ocurría y mostraron su empatía, además de dar su ayuda. Mi perra, como buena amiga de la gente del pasaje, les habría agradecido de poder usar palabras. Y de poder usarlas me habría dicho si me perdonó... ¿lo hiciste?

Wojciech Kilar & Janusz Olejniczak- The Pianist (2002)

 ¡Segunda semana con día lluvioso! Afuera el día se vuelve azul y el aire sigue helado, igual que dentro de la casa. Mi hermana hace sopaipillas pasadas pero aún no huelo nada... quizá se arrepintió... dah, resfriado ¿que olor voy a sentir? Como no hay mucho que hacer y no prendo el pc temprano, pasé la tarde viendo películas, tratando de paliar un poco la pena por el dolor que siente mi perra, y justo me topé con una que sin duda pasará a formar parte del cine clásico a futuro... obviamente ya saben de cual hablo.
 Hace 10 años, Roman Polanski plasmó Death of a City, las memorias del pianista Wladyslaw Szpilman, en la película El Pianista, con Adrien Brody protagonizando al músico. Recuerdo que cuando la vi yo ya estaba interesado en el tema de la Segunda guerra mundial, leyendo y viendo todo lo que hiciera referencia a la guerra más cruel del siglo pasado. Entre tanto no podía evitar leer sobre el Holocausto, la muerte de aproximadamente 6 millones de judíos en los campos de exterminio esparcidos por la Europa nazi. También recuerdo que mi primer encuentro con el tema fue cuando allá por el 98 ví La Vida es Bella de Roberto Benigni (según Wikipedia salió el 97-98, así que me sorprende la velocidad con que las daban acá en la tele... bueno, eran otros tiempos [no tan lejanos, si uno piensa] (igual lejanos po')) y lloré como quien quema el boleto ganador del Kino. Claro que entonces lo triste era ver a Guido haciendo feliz a su hijo hasta el final de su vida, en medio del horror de un campo de concentración. Viejo, que manera de cagarme esa película. Pero con los años fui aprendiendo sobre las prácticas de los nazis en sus prisioneros, convirtiendo lo que para mi eran "cárceles para gente que no hizo nada" en lo que esa misma gente pensaba era el "Seol", el Infierno. Torturas, sobreexplotación, negligencia, experimentación biológica, falta completa de trato humanitario... se me hacía dificil creer que hombres con uniformes tan bacanes (siempre digo que de haber sido competencia de moda, los nazis habrían ganado la guerra gracias a Hugo Boss) pudieran hacer tanto daño sin motivo más que el de la paranoia y, una de las armas más peligrosas, los dogmas. Pero el resultado del Experimento de Milgram nos demostró que el hombre siempre hará uso de tortura y violencia si una figura de autoridad lo obliga. Entonces ya sabemos que lo que la historia nos ha dejado es de nunca acabar, porque está dentro del "genoma" (figurativo, obvio) de nuestras mentes. Jung le tiene un nombre.

 La historia de El Pianista [Alerta de SPOILERS!] comienza en el mismo día en que Alemania bombardeó y capturó Varsovia dentro del marco de la Blietzkrieg. Szpilman tocaba el conocido Nocturno en Do Menor de Frederic Chopin cuando se comenzaron a oir las bombas desde Radio Varsovia, y es en ese momento en que toda la vida en Polonia (y a la larga en Europa) cae en un caos del que no saldría en 50 años, porque siendo empáticos con los sueños de libertad de la gente en la postguerra, la guerra no terminó cuando Alemania firmó el armisticio (o cuando Hitler escapó a Sudamérica, según otros). La guerra seguía ahí, en cada parte en que una diferencia política separaba al pueblo o una potencia consideraba a un país como una torta y quería tomar su parte. Como judío, Wladek y su familia fueron confinados al infame Gueto de Varsovia, donde tuvieron que vivir (o sobrevivir) en medio de la pobreza, el aislamiento, la falta de higiene y las condiciones deplorables que los nazis crearon para ellos, todo con el fin de deshumanizarlos y hacer que su exterminio sea más fácil. Ese principio de deshumanización explica la facilidad de ciertos soldados para matar a sus contrarios, a quienes se les instruye que el enemigo es un "chino", un "germano" o un "turco" o "cabeza de trapo", pero nunca que detrás hay un padre, un hijo o madres.
Mientras la película avanza, Wladek pierde a su familia cuando son trasladados al campo de Treblinka y un conocido de la Policía Judía lo salva. Entonces comienza la tragedia personal, donde él, abandonado en medio de un guetto destrozado, donde muchos de sus conocidos están muertos y no le queda más que servir a los nazis dentro del guetto.Con el tiempo logra escapar y permanece oculto en dos refugios gracias a antiguos conocidos y miembros de la resistencia polaca, y es dentro de su primer escondite en que presencia como, tras 5 años de aguantar el dolor de ver sus derechos fundamentales vulnerados, los judíos del gueto inician el Alzamiento del Gueto de Varsovia, un levantamiento armado que, aunque heróico, terminó con la muerte de 7000 judíos.
Despues de esconderse de los nazis y sobrevivir a la ictericia, Szpilman termina viviendo dentro de la guerra, escapando de los contraataques alemanes a la resistencia y se da de tope con la vida fuera de sus refugios. Esa escena es como una cachetada. Wladek escapa de los nazis que queman el hospital en que se esconde saltando un muro, cae, se rompe una pierna y descubre que está solo en medio de una Varsovia reducida a sus mismos cimientos. Ahora es el contra los nazis, el hambre y el futuro incierto. Es ahí donde aparece otra escena notable; mientras intenta abrir una lata oye el segundo movimiento de la Sonata 14 de Beethoven (que para nosotros suena como música incidental) y se encuentra con Wilm Hosenfeld, un oficial nazi, que "perdona" su vida al mostrarle Wladek sus dotes para el piano, interpretando la Grand Polonaise Brillante. Dos íconos patrióticos de Alemania y Polonia, respectivamente, frente a frente.
 Frederic Chopin, como polaco destacable, juega un papel fundamental en la película a través de su música. Aún cuando fue compositor de mazurcas, estudios, scherzos, baladas, valses y muchos estilos más, los nocturnos son sus obras más conocidas y en el contexto de la película reflejan el dolor y la tristeza del pueblo polaco al ser despojado de su tierra. Polonia ha tenido una historia llena de violencia y opresión desde que se convirtió en nación, así que la nostalgia de los nocturnos se convierten en una versión musicalizada perfecta de su sentimiento histórico. Los nocturnos suenan lentos, como el que abre la película, pero al alcanzar más cuerpo se convierten en piezas violentas, que solo gente con sangre apasionada puede interpretar como se debe. Quien mejor que los polacos po.

En fin, tratar de describir como calza cada movimiento en las escenas da para rato y es muy arbitrario, así que mejor lo dejo hasta aquí PERO ANTES... datos de interés:
¿Han notado que en el gueto andaba una señora muy bien vestida preguntando por Izaak Szerman? Según leí por ahí (ahora veo que está en todas partes), la autobiografía explicaba que Szerman, el esposo de la doña, había muerto en la horca y ella lo vio, pero con el tiempo se volvió loca y pensó que solo andaba perdido, vestido igual que el dia de su muerte.
Otra cosa más. ¿Recuerdan que cuando Wilm Hosenfeld escapa de la casa-cuartel porque vienen los rusos le pregunta a Wladek su nombre y este responde "Wladyslaw Szpilman", Hosenfeld dice "buen nombre para un pianista"? Según mi escaso alemán (y según corroboré luego en internet) es porque Szpilman (apellido polaco) es muy similar a Spielmann (apellido alemán), que significa "juglar" o más rústicamente "hombre que toca un instrumento".

Ahora que lo saben, habrá que bajar la música, creo. ¡Ah! A todo esto, Wojciech Kilar es el compositor del tema original que sirve como motif para la vida en el gueto y el dolor de la vida en tiempos de guerra, y Janusz Olejniczak (como sufro escribiendo ese nombre...) es quien interpreta las obras de Chopin para la película. Listo.



Y al final la película no me quitó la pena por mi perra...

Snog- (1992) Lies, Inc. / (1994) Dear Valued Customer

Mientras estuve lejos de internet y su influencia maléfica pasé un día a acompañar a mis papases a una comida con gente que conocían (y que obviamente yo no), con la esperanza de establecer algún contacto laboral; en resumen, fui a hacer presencia, explicar lo que hago (o debería hacer) y ver si podía aplicar el viejo arte del pituto, el mismo que le da trabajo a la mayoría de los chilenos. Todo iba bien mientras comíamos, hasta que empezó, por fin, a salir el tema del trabajo y me di cuenta de que me había metido en territorio equivocado. Equivocado para mis fines, al menos. La conversación con el anfitrión habrá durado unas 2 horas, llenas de cuestionamientos a mi carrera y a mis posteriores objetivos. Obviamente no hice oído sordo a nada, al fin y al cabo la traducción debe ser el  trabajo menos comprendido y más desconocido de Chile y por que no, de muchos otros países latinoamericanos. Todos (incluso él) creen que los libros que leen (que nunca vienen de paises hispanoparlantes) son traducidos por computadores que tendrán algún chip de estilo literario y alto manejo de jergas, argots y demases. Eso o por gente de alguna empresa que dice "si, cacho algo de inglés, tire pa'cá nomá", lo que no es más cercano a la realidad.
Mientras conversabamos salieron muchos temas que me hicieron pensar y cuestionar, como dije, mi título y mi futuro de continuar con la pedagogía. ¿Todo por qué? Por el tema que dominó la conversación: el dinero. El tipo no está fijo en ningún lugar, pero siempre gana sus buenos palos y le gusta mostrarle a sus conocidos que darse la buena vida no es malo, que ahí se encuentra la verdadera solución a cada problema, pero ¿saben qué? A estas alturas tiene toda la razón. Por eso, según él, yo tendría poco futuro monetario sólo con mi título y que ser profesor tampoco era algo que me ayudaría a mantener una familia que inminentemente llegaría. Todo eso tiene su base de realidad, pero lo que me hizo pensar fue en que pasaría si aquel consejo fuera la regla que moviera las elecciones estudiantiles de todos. Obviamente habría mucha gente con ambiciones de llegar alto, que lograrían buenas notas y llegarían a ser médicos, abogados e ingenieros de toda calaña. Hasta ahí todo bien, total no hay drama con que la gente tenga algo de ambición, pues eso nos motiva a seguir avanzando (aún cuando nuestro afán por seguir creciendo como persona en todo sentido debiera ser ese motor [claaaro, algo suuuper aplicable]), pero la demanda de esos profesionales ya no sería la misma y además ¿donde estarán los profesores? ¿que habrá pasado con la gente esforzada que cultivaba nuestra comida? ¿Que será de quienes nos vendían lo que necesitabamos, de los burócratas que nos entregaban los documentos y los técnicos que nos sacaban de apuros? ¿Que será de gente como yo y muchos más, carentes de talento o que nunca fue de muy buenas notas y debía seguir una carrera acorde a sus habilidades? Pero sobre todo ¿qué pasará con los artistas? Sólo imaginen un mundo sin música, pero lleno de ejecutivos de disqueras intentando meter ritmos sin alma en las radios con "músicos" con cuna de oro, que nunca se preocuparían de poner una gota de sangre en sus trabajos pues sólo esperan el momento de ver sus nombres en los más vendidos. Sin esos sueños, por muy mal encaminados que se vean o sean, solo nos dedicaríamos a llevar "vidas" de robots, trabajando, comprando y jamás realizarnos. Porque darle una vida llena de lujos a tu familia no lo es todo. Ser un niño y tener todos los juguetes existentes no te oculta el hecho de que rara vez verás a tus padres porque se parten el lomo trabajando para comprar cosas que, muchas veces, son superfluas, pero para sus mentalidades de adultos convertidos son comida chatarra para el alma. Rica pero que nunca los alimentará de verdad.

Después de esa conversación y tales pensamientos cualquier persona tan débil como yo habría tenido un derrumbe emocional, pero gracias a Santa Internet ya conocía a David Thrussell, que me había fortalecido un poco mostrando las realidades tristes de la vida postmoderna. Thrussell es un músico australiano que a mi juicio no ha recibido la merecida atención, pero sobre todo es el único artista tecno que la merece. Olvidense de ese weas de Skrillex, ESTO es música... bueno, en realidad no se mucho de tecno, de hecho conozco algo de electrónica (diferente al tecno, que es netamente bailable) por Kraftwerk y Tangerine Dream, pero para mí Thrussell, con su banda Snog, fue el primer acercamiento verdadero a esta música; no tanto por los beats y el ritmo, sino por las letras. Es primera vez que escucho música tecno con contenido, no una voz repitiendo "Paradoxdoxdox" ni una voz preguntando si estoy listo. De hecho muchos consideran a Snog una banda industrial, pero al menos en estos dos trabajos falta más ruido para etiquetarlos así. O sea, Throbbing Gristle y Coil son industriales y se les nota el toque noise, en cambio Snog es música tecno, con ritmos hechos para la pista de baile pero letras hechas para el cerebro.
Ya, llevo varias líneas diciendo que las leeetras y blablablá, pero sin decir nada claro. El toque que salva a Snog es que sus letras están cargadas de mensaje sociales pero no del tipo "cambiemos la sociedad con flores" ni "todo lo que necesitas es amor"; lo suyo es un comentario agresivo y directo sobre cómo nos dejamos caer en lo más profundo del capitalismo, directo a las ciénagas del consumismo y sobre cómo dejamos de ser individuos para pasar a ser mano de obra, números, consumidores y votos. Obviamente hay más temas, pero la mayoría de ellos son tanto o más deprimentes, debido a que David tiene ciertas tendencias marxistas y le apasiona el tema de la enajenación. Mmm, ahora veo por qué me gustó tanto su música.
 Con un título posiblemente tomado de Philip K. Dick y su visión distópica, Lies, Inc., nos presenta un tecno que para estas alturas puede sonar un poco lento, quizá añejo y a ratos ni tan tecno, pero para los que lo escuchamos por el contenido y no por bailar un rato no hay problema. El primer single fue "Corporate Slave", un himno que se convirtió en el tema obligatorio de sus presentaciones,y toma samples de Network, una película cuyo mensaje sobre quien en verdad gobierna EEUU (y por extensión el resto de los países) sigue válido, solo hay que cambiar los nombres de algunas empresas y listo (veanla y entenderán). Hablando de samples, estos cumplen con su función de encajar ad-hoc con el tema, como las voces de Robocop en Make My Day (acerca de la brutalidad policial), la línea "Man has given a false importance to death..." de la obra Marat/Sade, los gritos de ayuda en el mismo Corporate Slave, tomados del disco de Timothy Leary que algún día subiré, o la voz del conductor de un programa de TV llamado "Supermarket Sweep", el epítome televisivo de la cultura del "comprar hasta caer muerto" ("shop till you drop" en inglés) en "Supermarket Dream". En lo musical, el estilo varía entre el tecno bailable que podemos encontrar en Born to Be Mild (canción dirigida a los hijitos de papá consumistas y con falsos ideales humanitarios) hasta el electrónico atmosférico de Somatime, que sirvió como caldo de cultivo para Black Lung, el proyecto solista de Dave Thrussell.
Ahora demos un salto a 2 años en el futuro.Aquí en Chile viene la gira Monsters of Rock, Frei llega a la presidencia y la pasa viajando, viene Yes y soy muy chico para saber quien cresta son. En noticias internacionales, en EEUU muere Richard Nixon y nadie lo extraña, y Dave ya tiene su banda establecida tocando en varios clubes australianos. Su mensaje de "critica la sociedad y baila" agarra a unos cuantos adeptos, pero su mente inquieta y quizá un poco perturbada decide que es hora de sacar otro disco. Uno más agresivo. Así aparece Dear Valued Customer, un album más bailable, libre de experimentaciones con atmósferas y con más crítica... aunque más que crítica yo lo llamaría un ataque verbal directo al mundo de la publicidad; el deísmo (sobre todo el cristianismo); los Estados Unidos, la Doctrina Monroe (no tan muerta como se esperaría), su política expansionista y agresiva, el Pentágono; la falta de individualidad dentro de la sociedad y a los grupos neonazis australianos. Ah, tambien a los Illuminatis. Ese punto hay que destacarlo, porque Thrussell es defensor de gran parte de las teorías conspiratorias, como la influencia de la masonería en las altas esferas de poder, los ya mencionados illuminatis, el ocultamiento de información sobre vida extraterrestre inteligente, los gobiernos infundiendo miedo en la población para ejercer mayor control, y la operación de bandera falsa del 11-S. De hecho llegué a Snog hace unos años en mis tiempos de "conspiranoico", cuando buscando gente que cantara sobre lo que nadie canta encontré a Snog. Por supuesto ahora no creo mucho de lo que entonces leía, pero si hay ciertos puntos que comparto con el como la bandera falsa del 11-S y lo de la masonería.
Como decía, las letras volvieron más duras que antes, pero la música no se quedó atrás y ahora los beats si que golpean como puños en el cerebro y los tímpanos. También bajó el número de samples vocales, pero hasa donde sé hay canciones que fueron sampleadas, así que si alguien es tan amable de decirme cuales le agradecería.
Para concluir, si tuviera que recomendar una canción sería Cliché, que sigue mucho la visión deprimente, decadente y desesperanzada de Thrussell sobre la condición humana. Pero eso es lo que nos gusta de su música, ¿no?
Pensándolo bien, recomiendo el disco entero, incluso más que el Lies, Inc., que ante el DVC queda un poco chico. Aun así denle una escuchada a ambos.
¡Ah! antes de irme, una anécdota weona. Desde que conocí Snog pasé meses (quizá un año), buscando un disco, el que fuera,  hasta que un día después que perdí las esperanzas me topé con el Lies Inc. en un blog "nuevo" (QEPD). Obviamente eso me obligó a seguir buscando más, pero ya era imposible. Había recorrido toda la red y nunca encontré nada, así que ripeé el audio de Grooveshark, me armé como 2 discos más y los grabé. Cuando ya tenía casi toda la discografía completa encontré de cueazo un blog en que estaban los primeros discos (los más dificiles de encontrar) y la fecha era del año pasado, talvez unos cuantos meses después que terminé de ripear el penúltimo disco. Soy un pelmazo, pero al menos los armé con paciencia y dedicación (aunque puede que el otro tipo tenga los originales y los subió, lo que me sumaría +50 puntos de envidia).

1992 - Lies, Inc.

1994 - Dear Valued Customer

Diablo Swing Orchestra- Pandora's Piñata (2012)

Hace una semana volví de mi exilio computacional en el norte y en uno de los pocos días que tuve internerd, descubrí que Diablo Swing Orchestra había lanzado ya su nuevo trabajo, que llevaba unos meses promocionando vía singles por youtube. En ese rato encontré altiro un disco descargable, pero por estar en pc ajeno me aguanté hasta llegar aquí, donde pasé 1 hora buscando algún link vivo. Por suerte Al Gore, creador de internets y dios del ppt, me bendijo con algo de suerte en estos tiempos de mala cuea y encontré un link vigente, el mismo que traigo aquí para no vender ni regalar.
 Ok, directo al grano, dijo mi dermatóloga (y se divertirán! pa-pa-pam). Al empezar el disco se nota que la banda no pierde su poder de dar un golpe directo de fuerza y energía en el primer tema, que como pasó en los primeros discos es una mezcla de música bailable tipo swing (haciendo honor al nombre, por su pollo) con la potencia del metal. Peeeero ya se nota la primera diferencia con el segundo disco (que en mi opinión es el mejor hasta la fecha): la falta del dueto Wolgers-Hakkanson. Esperaba escuchar otra vez la voz de tenor de Daniel Hakkanson armonizando operísticamente con AnnLouice, pero parece que ahora se dedico a la guitarra y todo pasa a ser un hijo entre el Butcher's Ballroom y el Sing Along Songs. A pesar de este detalle que extrañé, el resto del álbum mantiene la esencia de fusión, detallismo y fuerza que diferencia a DSO de todas esas bandas de metal sinfónico con mujeres como vocalista.
Como dije, Voodoo Mon Amour (la primera canción) es un desplante del potencial vacilable de ese jazz de Mardi Gras con un sabor robusto, barrica de metal y añejado por un año de preparación; más o menos parecido al caso de Guerrilla Lament, un híbrido entre salsa de los años 50 con (obviamente) metal que nos muestra que la entrada de un trompetista y un trombonista nuevos ciertamente se hace notar. De hecho, el cambio varía tanto entre este y los discos anteriores que si no fuera por las trompetas y la voz soprano a ratos juraría estar escuchando el último trabajo de Unexpect. No se, por lo explosivo de algunas canciones, creo y esas voces chillonas de Black Box Messiah.
A la mitad hay momento para relajación y alejamiento del género, con lo que yo llamaría una aria propiamente tal, alejada de los instrumentos eléctricos del rock e internada en las armonías de la opéra: Aurora. Bellissimo. Y con un violín medio morisco al final... Doooolce. Pasada esta mitad todo vuelve a ser mezcla, bronces y un sonido de Nueva Orleans pasado por las guitarras nórdicas. Incluso me atrevería a decir que no hay segundo desperdiciado en el disco, todo suena perfect y DSO continua complaciendo a sus fanáticos (o casi, puesto que ni luces hay de una gira por sudamérica [CHILEEE!])
En resumen (para hacerla corta porque ya me dio hambre y hace frío) Pandora's Piñata (or Pinata if there's no Ñ in your vocabulary) no tiene la magia del dueto de Sing Along Songs, pero por lo menos demuestra que la banda sigue cambiando de piel para mostrar nuevos colores, sin desligarse de lo que pone el Swing en su nombre. Ahora a darle una escuchada y, si le gustó y lo encontró por ahí, en alguna vitrina de alguna disquera pulenta que trae música buena, cómprela. Centum per centum recomendablum (aunque si viera éste y el anterior, me compro el otro XD).

Dorso- Big Monsters Aventura (1995)

¡Mira tú lo que me encontré bajo el polvo! ¡un hilo de posts de Dorso que olvidé seguir! Nepe, retomémoslo. Ya vimos a Dorso pasar por una fase de heavy metal progresivo con tintes de fantasía de terror, una puramente metal progresivo más hálitos del terror romanticista y otra grindcore fusión mezclado con cine gore clase B. Como buenos homenajeadores de sus influencias, ya era hora de tomar otro género del cine de terror y otro rumbo musical (casi). En esta ocasión las bestias lovecraftianas del Luna Cámbrica, los fantasmas del Romance y los monstruos de tripas y sangre de cabra del Espanto le abren paso a los monstruos japoneses gigantes del Kaiju. Para los interesados, el kaiju eiga (en su nombre completo) es un género cinematográfico japonés que significa "película de monstruos y se divide en kaijin (con monstruos humanoides) y daikaiju (monstruos... monstruos). Si les queda poco claro, supongo que el nombre GODZILLA rellena cualquier vacío. Godzilla es el niñosaurio símbolo del Kaiju y el que posicionó a Toho Company como el estudio líder en crear monstruos radioactivos o antidiluvianos para la pantalla grande, reconocido en el mundo entero como un embajador de la cultura japonesa. Es que Godzilla (o Gojira para los que saben) no solo refleja la evidente afición de los japoneses por retratar cosas grandes (ya saben, los ojos del anime, las boobies, los "mechas"), sino que el miedo al holocausto nuclear de la postguerra y la guerra fría. No es necesario recordar lo que vivió Japón a finales de la Segunda guerra mundial, junto al envenenamiento del pesquero Daigo Fukuryu Maru y su carga al ser expuesto, involuntariamente, a ceniza nuclear proveniente de la operación nuclear Castle Bravo, costándole la vida al operador de radio del bote y (años después) a los habitantes del atolón en que se probó la bomba.

Resumiendo, el kaiju es un género de monstruos japoneses que se dividen entre dinosaurios (Rodan, Godzilla, Gamera) y weones grandes o que simplemente parecen monstruos (Kamen Raider, Ultraman). Obviamente, aca en Chile no pasaron inadvertidas las películas y fueron una alternativa a esas película de vaqueros que veía mi papá. No es que sean malas, pero todo niño necesita su dosis de monstruos para crecer aceptando y amando la diversidad. Pera, siendo un fanático del cine de terror, tomo estos recuerdos de su juventud y los mezcló con un estilo que difirió mucho de El Espanto Surge de La Tumba. Ahora había más variedad sonora, onda jazz, rock progresivo y hasta reggae. Bueno, no era la gran variación, pero ciertamente no suena como el Espanto ni los otros dos. La técnica tambien es diferente, pues ahora metieron más cambios de tiempo y otras cosas que podría explicar si supiera más de música. Lo sé, no debería hablar si no sé, pero la música no es ajena a nadie, ¿or not? Lo importante es que ahora se pulieron más y quieren mostrarlo apartándose de sus trabajos anteriores.
Big Monsters Aventura... el título ya lo dice todo. Y no solo el título del disco, también el tema homónimo que abre el disco, con esa intro no sampleada en que suenan tambores y cantos tribales mientras algo se come a un hombre ofrecido como sacrificio. Entonces entra la música y la letra lanza el mismo humor negro cargado de spanglish del Espanto, pero cuando entra la parte de jazz, con su punteo frenético al ritmo del contrabajo y de una batería suave galopando al fondo. De todas maneras, siendo un poco más crítico, hay que decir que a muchas de las canciones que la siguen les faltó su energía y color.
¡Dato, dato, dato! A la mitad de Godzilla habla una mina en japonés, diciendo algo que no entiendo (porque no se ni pico de japonés), pero según lo que aprendí viendo DBZ, por ahí dice Dios (Kamisama). Peeero, hay una pista que me lleva a deducir que no es nipona. Apenas empieza a hablar dice claramente "Godzilla", no "Gojira" como diría un japonés nativo, debido a su carencia de consonantes compuestas y de la letra L, se que pronuncia como una R suave. Entonces ¿quien es la mina? porque igual habla como personaje sexy de anime.
En cuanto a los monstruos, en las otra canciones aparecen Mothra (Mothra vs Godzilla), la conocida polilla/mariposa de los estudios Toho, cuyas acompañantes enanas que vivían en una concha me daban más miedo que ella/él; Ganimes (Big Monsters Aventura como el "cangrejo gigantón") y desde EEUU King Kong (Great Chango, con toda su onda tropical reggae). Pero no todo son monstruos gigantes, también hay dinosaurios, esa brujería carnaza con plumones y efectos charchas de Transformed in Cocodrile, samurais postapocalípticos, un claro guiño a los seres invocables de Lovecraft (yo digo que es un vampiro estelar), extraterrestres estilo japones con efectos especiales dignos de Chespirito, y hasta seres propios de la mitología dorsiana, como los panes carnívoros zombie de Panificator y los monstruos cochayuyo mata-hippies del Gracias, Oh seres de Cochayuyo.
Para algunos, este trabajo puede parecer muy suave si se compara con lo precede, pero si se le pone atención, hay predisposición para reirse un rato y se acepta que Dorso siempre va cambiando, es posible ver en este otro nuevo favorito. Además este clásico pertenece a lo que llamo la "trilogía del humor", con discos cargados de chistes coshinos, referencias gore, puteadas en buen chileno y spanglish al por mayor. Como me gustaría que fuese más que una trilogía... pero ya veremos el curso que toma la banda en otra ANTOLOGÍA DE INTERÉS. Mientras tanto, escuchen


Antes de irme, ¿sabían que para esta fecha Dorso ya había dejado las sombras y llegó a la pantalla chica en MTV? Obviamente que en la versión latina, pero eso ya es mucho para una banda chilena de metal que nació por lo bajo como todas. Cabe destacar que en esos tiempos, la M de MTV significaba Music, no Mierda, porque había música. Believe it or not!


PD: ¿Que chucha dije sobre el jazz? Me había olvidado que en El Espanto también había su toque. Bueno, lo dejo ahí para que vean que escribo como va saliendo y nunca edito las weás.

Grand Moff Tarkin- Cease and Desist (1999)

 Como uno que otro nerd, geek o usuario de internet promedio sabrá, hoy es el día mundial de Star Wars por un hecho tan nerd como lingüísticamente gracioso: en inglés, los meses van antes que los días, por lo consiguiente el día 4 de mayo se traduciría en May 4th = May the forth.  Así, por alcance fonético, May the forth = May the force... May the Force be with you, always. Siguiendo el hilo lógico, viene a colación el hecho de que éste es un blog de música, por lo tanto debería estar celebrando este día subiendo la banda sonora de la saga. Claro, era mi intención pero, considerando lo dura que anda la "policía de internet" con esto de la "piratería" y todo eso, por ahora no podré cumplir. Por otra parte...
 Apuesto a que más de algún fanático ha visto esa imagen clásica tributo a Star Wars, en que Vader, Luke, Leia, Fett y el resto de los personajes más conocidos tocan en una banda. Obviamente es ultra falsa y de ser real, pensaba yo, debe ser la wea más mala de alguna galaxia muy, muy a la cresta. Esas luces y los movimientos me hacen pensar en lo peor del rock progresivo, sobre todo del neo-progresivo. Pero ese no es el tema. El primer año que tuve internet me dediqué a "estudiar" lo relacionado con Star Wars, porque no tenía plata como para comprarme las enciclopedias ni las novelas y mis papás nica gastarían plata en algo así. En esa busqueda e investigación me topé con una imagen real de esa banda, pero en versión über br00tal, con lo mejor y más refinado del Lado Oscuro conocido hasta entonces por la trilogía original: Boba Fett en los teclados, la Guardia Imperial en bajo y guitarra, un piloto de TIE en batería y Darth Vader en voces. Chanfle, pensé. Sólo chanfle. La imagen pasó unos 7 años en mi pc viejo y de ahí al olvido. Hasta... no recuerdo hasta cuando. Creo que hasta hace 2 años, más o menos, cuando recordé la imagen, la googleé y di con Grand Moff Tarkin, un nombre que no te dice nada a menos que sepas más de lo básico sobre Star Wars. No, miento, el nombre lo vi hace mucho más tiempo; pero el resto ocurrió hace 2 años o menos.
Para presentar un poco la cosa, Grand Moff Tarkin era un personaje conocido por todos los espectadores ocasionales de Star Wars, solo que como nunca lo nombraron nadie sabe quien cresta es. ¿Recuerdan el personaje que hizo Peter Cushing en Una nueva esperanza (La Guerra de las Galaxias para los que no se ubican por ese nombre? Pues aquel almirante, aquel viejo con mucho más poder (en terminos de influencia) militar que Vader mismo, aquel que murió de sorpresa en la primera Estrella de la Muerte, se llamaba Wilhuff Tarkin y ganó el título de gran moff al ser designado gobernador de algún supersector que me da paja buscar. En honor a su cabronería al dar órdenes a Anakin, estos cabros de Atlanta, EEUU, formaron la única banda con temática de Star Wars y de punk rock con toques metal que he escuchado hasta la fecha. Como dije más arriba (creo), las letras de sus canciones están basadas completamente en la trilogía original, y todo desde el punto de vista de los personajes del lado oscuro: My TIE, sobre el famosísimo caza imperial; Death Star (más que obvio); Mos Eisley (burning down), un lugar de Tatooine "lleno de maldad y vileza"; Droid, cuyo coro hace referencia directa al juego mental que hace Obi Wan a los clones, convenciendolos que R2D2 y C3PO no son los androides que buscaban; y Dark Side o' the Force, un temita sobre lo que es estar en el lado más seductor de la Fuerza, cazando escoria rebelde y ahogando almirantes. El último, el cierre de oro, es la inconfundible Marcha Imperial de John Williams, solo que en versión metal y con otros arreglos una vez que pasa el motif. Siento que olvido algo... ¡ah si! las dos primeras canciones (Stolen Earth Transmission #tanto y tanto).... nah, no tengo para que decirles; es decir, no hay ser humano que no reconozca la intro de 20th Century Fox y la de las 6 películas. Hay que ser muy sin tele o muy fanático a muerte de Star Trek para no ubicarlas. Según dicen quienes conocieron a la banda, por eso mismo de la música original de Williams fue que debieron separarse, pues recibieron una carta de Lucasfilm sobre a derechos de autor y avaricia hollywoodense. Además, asegura esta persona que posteó en Beyondfailure, los trajes costaban mucho y, aunque siempre tenían éxito en las DragonCon, no se veía mucha ganancia por el arriendo de estos. Bueno, todo lo bueno es fugaz.

Antes de terminar quisiera agradecer a Wookipedia, que me iluminó con info que ya había olvidado (¡casi un año sin ver alguna peli de SW!), a beyondfailure por ser el único proveedor de este trabajo que todos deben conocer y a la vida que me ha dado tanto y me quita más. Que la fuerza los acompañe, siempre.

Roger Waters- Amused to Death (1992)

Ya todos saben que hace casi una semana vino Roger Waters a Chile como parte de su gira The Wall y dio pedazo de espectáculo. No, no cito un cliché, el tipo DIO-EL-SHOW. Puede que Waters no sea Pink Floyd, que nunca haya sido el mejor bajista del rock ni un gran cantante, pero tiene un gran talento como letrista y ni siquiera cuando se separó del grupo en 1984 perdió su toque de humor negro, crítica social e introspección. Ahora bien, sé que esta gira no es más que la muestra de una estrella de rock recogiendo los frutos imperecederos de sus viejas glorias, pero por lo menos se nota que Waters aprovecha los millones que ha ganado a lo largo de su carrera como miembro de Pink Floyd y como solista, porque la magnificencia del escenario solo puede compararse con la de su anterior gira con la banda en el 81 (la misma que los llevó a perder millones y de la que solo el difunto Richard Wright pudo sacar provecho al estar como músico de sesión). Todo, desde la pantalla que ocupaba practicamente la mitad del Estadio Nacional, con proyecciones 3D y un muro que poco a poco se levantaba, hasta los efectos semi-Pink Floyd como el avión y la pantalla del medio, sirven como una lección para enseñar que el rock no solo debería estar en los solos de guitarras y los estadios llenos, sino también en una presentación bien lograda y en el concepto.
Hablando del concepto, algo que se hizo obvio fue que el concepto detrás de The Wall pasó de ser una historia sobre aislamiento personal, vicios y autoanálisis a una crítica al consumismo, las guerras, los dogmas y la insensibilidad de la sociedad contemporánea en todos estos ámbitos. Mientras pasaba todo ese desfile simbólico por los ladrillos del muro no pude dejar de pensar en el penúltimo trabajo de Waters como solista: Amused to Death.
En 1992 las cosas no iban muy bien en materia internacional: Había pasado un año de la primera Guerra del Golfo y nada en Medio Oriente se había solucionado; las cosas en Bosnia y Herzegovina empezaban a caldearse, comenzando los primeros brotes de la guerra que llenaría las pantallas en los próximos años; los problemas raciales de Estados Unidos se hicieron más evidentes con los disturbios de Los Angeles; mientras que en Chile se avanzaba poco o nada en cuanto a poner tras las rejas a quienes estuvieron al mando por más de 20 años asesinando a quien se atreviera a "mover una sola hoja". En ese escenario tan gris y deprimente, Roger tomó unas canciones que había escrito en la época del Radio KAOS, las actualizó, sumo otras y voilá, un disco conceptual nuevo. El tema era la situación actual vista desde otro prisma, desde el de una sociedad que consideraba la guerra como un deporte más, con apuestas y transmisiones en vivo, mezclado con hechos anteriores, como las protestas en la plaza de Tiananmen, la Primera guerra mundial, tele-evangelistas hambrientos de billetes y esa pregunta que más de uno se habrá hecho: ¿Donde esta Dios en todo esto? ¿Que mierda hace mientras nos volamos nos sesos? ¿De que lado está? Según los judios, del suyo; según los alemanes, con ellos; según los franceses, combatía a su lado; según los talibanes, está con ellos; según Nietzche, de ningún lado porque ya murió; para muchos, se reencarnó en dólares, euros, pesos, yuans y yenes.
Retomando lo de la idea tras el disco, el concepto consiste en un gorila viendo tele en su jaula, haciendo zapping entre noticias y programas de concurso. Al principio (The Ballad of Bill Hubbard) y al final de la última canción (Amused To Death) se oye una entrevista a Alfred Razzell, veterano británico de la Primera guerra mundial y sobreviviente de la Batalla del Somme, una de las más sangrientas y lentas que se libraron en el frente francés. Recordemos que, a diferencia de la segunda y las guerras posteriores a esta, el frente europeo consistió en líneas de trincheras que avanzaban y retrocedían dependiendo de quien fuera el bigotón bebedor de té al mando, así que toda victoria era inútil a menos que se pudiera conservar la línea sin que una horda de alemanes, ingleses o gringos mande a la mierda todo el sacrificio inútil de vidas. Algo que volvió legendarias y temidas a las trincheras era el terreno baldío que separaba una línea aliada de otra de la entente, conocida como la "tierra de nadie", franja de tierra y barro salpicada por minas, cráteres de mortero y alambres de púas . Fue en este lugar donde "Alf" Razzell, retirando los documentos de los caídos en acción, se encontró con su viejo compañero de armas William Hubbard herido de gravedad, con un agujero enorme en su costado por el que se podían ver sus visceras. Al ver a su compañero en estas condiciones y con vida, Razzell lo tomó y lo llevó a cuestas a través de tierra de nadie, sorteando agujeros de impacto, cadáveres y el caos de la batalla; mas Bill sabía que no sobreviviría así que le urgió a dejarlo ahí, en tierra de nadie, y que se salvase él solo. El dolor de Bill no le permitiría seguir avanzando junto a Alf y él lo sabía, por lo que lo siguió su camino y llevó en su memoria el peso la culpa de abandonar a un compañero. Años mas tarde, Alfred volvió a Francia para visitar el Memorial que honra a quienes cayeron en la Batalla de Arres y su conciencia volvió a respirar tranquila al ver que William Hubbard nunca fue olvidado, pues su nombre estaba ahí junto a los hombres que no vieron el final de "la guerra que pondría fin a todas las guerras" (estúpidas promesas de políticos). Ese epílogo es el que se escucha al final de Amused to Death.
Hablando del final, esta última canción habla sobre el fin mismo de la humanidad (¿guiño a The Final Cut? nah, solo un afán por describir un apocalipsis autoprovocado) pero en el que nos vamos riendo, "disfrutando" frente a la pantalla mientras a nuestro alrededor la sociedad y el mundo mismo se desmoronan. Ya muertos todos nos visitan investigadores extraterrestres, buscando saber que pasó con lo que alguna vez fue un planeta lleno de actividad. Entonces el capitán responde "esta especie se divirtió hasta la muerte". En resumen, los conflictos bélicos y otros problemas del mundo nos parecen tan lejanos vistos a través del viejo cajón de rayos catódicos que nos olvidamos que nadie es ajeno a ellos, y que nunca están muy lejos.

En resumen del resumen, dejemos esta charla sin fin ni hilo y pasemos a la deeeeeeescarga.

PD: Gracias Waters por el show; Gilmour... ¡motivate po viejo!.
PD2: Este post lo comencé en marzo, pero lo retomé recien hoy, por eso al principio digo que pasaron días desde The Wall en vivo. Es que tengo un bloqueo creativo cuático, pero a nadie le importa. Fin.

Lovage- Music To Make Love To Your Old Lady By (2001)

Estamos a menos de 2 días del 14 de febrero y muchos ya estamos preparados para pasarlo en una adorable y deprimente soledad, acompañados (quizás) de nuestros videojuegos, películas, comida chatarra o trabajo. Por mi parte la pasaré acompañado de mi pega en un turno de tarde-noche, con una tarde ocupada abriendo y cerrando un portón malo a los marinos calientes que irán a pasar la noche a alguno de los tantos moteles de la ciudad. No creo que sean tan mierdas pa pasarlo donde están, rodeados de 0tras cabañas y un guardia al cual aburrir con sus muestras de amor militar y siútico. De todas maneras podré ser amargado y carente de amor, pero no por eso odio la música "para parejas" (entiéndase toda esa música mamona, "romántica" o con contenido amatorio/erótico); es más, dentro de mi hay sigue vivo ese niño que siempre quiso (...) amar, dar paseos tomado de la mano de una mujer, ver una lluvia de meteoritos juntos y toda esa mierda. Incluso cuando era chico, mis primeros favoritos en la música eran todos esos cantantes italianos que más de una mamá escucha. Con eso como base sería difícil desarraigar el elemento "amor" de las tierras de mi alma, pero tanta cagá que va pasando en la vida actua como herbicida y... dah, olvidemos el asunto.
Como algunos sabrán, Mike Patton es uno (talvez el número uno) de mis músicos preferidos, sobre todo por su habilidad de adaptarse a distintos estilos y saber ejecutarlos bien; en este caso Patton, asociado con Jennifer Charles, Kid Koala y Daniel"The Automator" Nakamura, participó en un proyecto de trip-hop llamado Lovage. Cabe mencionar que el trabajo y su concepción es de Dan The Automator, productor de hip-hop (i.e. el tipo que hace los samples y beats)... remarco eso porque no faltará el que crea que Patton es el encargado de sacar nuevo material o algo así, no se, no más yo digo. Pero siguiendo con esto presentaré al resto: Jennifer Charles es miembro del duo de pop Elysian Fields y comparte con Mike el rol de vocalista en Lovage, haciendo de su contraparte femenina y aportando el erotismo que Patton entrega a las mujeres, pero en su caso a nosotros, los machos de la casa. En las tornamesas participa Kid Koala, quien trabajó con Mike en Peeping Tom y también ha colaborado con Gorillaz. Según Wikipedia tiene un estilo propio como tornamesista, pero para mi siempre todos han sonado igual... es decir, siempre hay scratchs y lo mas cuático que veo es la rapidez para cambiar de vinilo. Solo digo. Si alguien pudiera explicarme lo complejo del trabajo sin caer en insultos o falacias lo agradecería.
Se me hace un poco difícil hablar sobre su música en términos técnicos, pero ahora que recuerdo nunca lo he hecho así que adelante. Antes de Lovage, lo más trip-hopero que había escuchado era Portishead, pero no me enganchaba mucho. Creo que lo me atrapó más de este trabajo fue la mezcla de voces sensuales con los ya cachondos beats que caracterizan al trip-hop, porque para el que no sabe eso y el uso de un tiempo más lento, junto a influencias dub y electrónicas, es lo que diferencia a este estilo con el hip-hop. Algo que hay que tener en cuenta es que muchos de estos temas no son originales, es decir, son samples de otras canciones pero modificados y todo eso. Para hacer más facil su ubicación copiaré (y modificaré carerajamente) esta lista de Wikipedia y ahi verán:

"Sex (I'm a)" usa samples de "Kama sutra", de la banda kraut rock Can (además de ser un cover de Berlin, los que cantaban "Take My Breath Away"); Lifeboat samplea "In a Broken Dream", original de Python Lee Jackson (no me pregunten quien es porque no tengo idea); "To Catch a Thief" usa la intro de "I Don't See Me in Your Anymore" de The Glass House; la suaapve "Anger Management" toma el piano de "Mourir D'Aimer" de Frank Pourcel; "Koala's Lament" hace un sample de "Bettina", de Bola Sete; el intro del disco "Ladies Love Chest Rockwell" usa la música de "Solstice", propia de Brian Bennett; "Lovage (Love that Lovage, Baby)" usa "Love to Love You, Baby" de la estrella disco Donna Summer; Lies and Alibis" toma "Come With Me" de Jeremy Steig; la calientísima y über sexy "Stroker Ace" samplea la intro de bronces de "Light of Love" de Bonnie Dobson más la voz de Marylin Monroe en Some Like It Hot y, finalmente, "Everyone Has A Summer" usa "Jacarandá" de Luis Bonfá más unos diálogos de Airplane, una de las tantas buenas películas de los genios de la comedia Zucker, Abrahams y Zucker.

A ver, que mas... como estoy malo para escribir rellenaré con uno que otro dato Rossa ultrarepetido:
La carátula es un tributo al disco "N° 2" del niño símbolo de los feos talentosos Serge Gainsbourg; el tema "Tea Time with Maseo" es una parte hablada entre no se quien con el rapero Maseo, donde hablan sobre música y alguna otra cosa que no capto, como echarse talco en las patas; en otra parte hablada ("Herbs, Good Hygiene & Socks") participa Afrika Bambaataa, conocido como el abuelo del Hip-Hop, sobre todo de la costa este. Otra cosa es que hay referencias a las películas de Alfred Hitchcock (Strangers on a Train, Lifeboat y To Catch a Thief) y el nombre del disco es otra referencia a un álbum de Alfred llamado "Alfred Hitchcock: Music to be Murdered by".
Ya sin nada más que decir ni añadir sobre el día que se avecina, escuchemos algo de música para hacerle el amor a sus mujeres.

Esa lenta transición en que el sueño muta en pesadilla

Desde su masificación, Internet se había convertido en un experimento social gigantesco, una prueba de "anarquía organizada", un lugar libre de discriminaciones y tabués en que todos gozabamos de la libertad que el mundo físico perdió. Pero como todo espacio abierto y salvaje, delimitado simplemente por las reglas de la naturaleza y algunos códigos éticos, aparecieron los enemigos de la libertad buscando cercar, parcelar, controlar y dominar lo que para ellos era un potencial campo petrolífero a explotar, un país con medios que censurar y gente a la cual vigilar. Y quienes son estos enemigos de la libertad si no los mismos políticos que buscaron e implantaron/eliminaron chivos expiatorios en medio oriente y oriente lejano para sacar más petrodólares y poder, acusándolos de ser destructores de la paz y la "independencia" del mundo occidental. Esos mismos sectores políticos y militares que denunciaron la represión de los medios en Corea del Norte y China son los que ahora buscan jugar el papel del Gran Hermano, los que odian ver gente compartiendo material en la red sin que alguien saque un beneficio monetario de este, son los que propusieron y contemplan la puesta en marcha de una ley tan antidemocrática y fascista que los fundadores de su país desearían estar vivos para suicidarse por la decepción.
El motivo de este atado de palabras airadas sobre el fenómeno de SOPA y PIPA nace por la reciente muerte de quien nos proveeyó de juegos, música y películas desde hace años: el amado y odiado Megaupload. La perversa agencia gringa FBI, viendo en MU una amenaza terrorista capaz de destruir la humanidad al no respetar copyrights, cerró la página y con ello acabó con gran parte de lo que internet tenía para compartir. Por mi parte siempre preferí Mediafire, pero nunca se sabe cuando le pueda llegar la hora a mi servidor favorito y todo este trabajo de casi 3 años se vaya a la misma mierda, por lo que quiero hacer llegar mis sentidos respetos y pésames a los que lo perdieron todo este horrible 19 de enero. Gracias por entregar mucho a cambio de nada.
Hay cosas que aún no comprendo de estos proyectos de ley; no por lo complejas que sean, sino por la estupidez y egoísmo que promueven. Hasta donde sé, compartir información copiada de una página web será considerado un crimen (se use o no la norma APA o la que estimen conveniente)... ¿por qué? ¿Por qué copiar y pegar una noticia para compartirla en el muro de FB de alguien debe ser un crimen? ¿Acaso la gente que la escribió se siente mortalmente ofendida de que alguien lea su trabajo y lo pase por ahí? ¿Acaso debo enojarme porque alguien copia y pega textualmente mis artículos tontos, cite el blog o no? ¿Y por qué la descarga habría de acabar con la carrera de los artistas? A Dorso la piratería le ha servido para distribuir más su trabajo y llevan tocando casi 30 años sin problemas. Además tener un disco pirata no significa dejar de apoyar el trabajo del artista. Quiero decir, no porque tengo la discografía de Mr. Bungle pirateada en un cd no me voy a comprar los discos originales; es más, lo hice y se que muchos lo hacen así con sus artistas favoritos. Cuando nos gusta un artista, el disco descargado no es más que una tarjeta de presentación o una invitación a descubrir el trabajo real, de mejor calidad.
Francamente no entiendo por qué esa manía de restringir de manera tan extrema internet. Como dije, hasta ahora ha demostrado ser un experimento exitoso de anarquía sin caos, un universo lleno de planetas regido por las leyes de la física y las de cada país de aquellos planetas. Quizá a ratos muestre lo peor del ser humano, pero eso no significa que este jodida y necesite de alguien que vigile los movimientos de cada uno de sus "ciudadanos". Consideremos que nos ha dado algo que ni la tele ni ningún medio de comunicación masivo nos ha entregado: la oportunidad de poder ELEGIR NOSOTROS MISMOS lo que queremos ver, creer y pensar. Entre tanta información, nos entrega tantas mentiras que en algunos casos permite desarrollar el juicio crítico... quizá es todo eso lo que motiva los cambios que ahora nos quieren endilgar.

Por lo menos sabemos que no todo está perdido. En lo que podría llamarse el fin de la primera era digital (aquella en que internet no era más que una novedad, algo alejado de los cambios sociales del "mundo real"), Internet comienza a notar los aires revolucionarios que han movilizado a millones a lo largo del globo por diversas causas. Gracias al trabajo de héroes invisibles y Anónimos podemos dormir con un poco de tranquilidad, sabiendo que los innobles actos de quienes han penetrado nuestros campos de libertad no quedarán impunes.

Hablando de dormir tranquilos, son casi las 4 de la mañana y mi cabeza está por estallar. Pero antes, un cover de Phil Ochs por Henry Cow con un título que me hace pensar en lo que podría pasar si se aprueba SOPA: No More Songs.